SCI Библиотека

Визуальная культура рубежа XX-XXI веков демонстрирует устойчивый интерес к гностическим мотивам, проявляющимся как в кино и медиаискусстве, так и в перформативных, архитектурных и биоарт-практиках. В центре исследования - анализ визуальных форм, в которых гностическое знание реализуется не как иконография, но как способ переживания инаковости, утраты и сакрального разрыва. Объектом исследования выступает визуальная культура современности как поле репрезентации сакрального знания в постсекулярном контексте. Предметом исследования являются гностические образы и их интерпретация в современной визуальной практике - от кино и биоарта до инсталляционных, перформативных и архитектурных форм. В фокусе - способы, с помощью которых гностическая оптика трансформируется в визуальные коды, не сводимые к иллюстрации, а действующие как инициация, прореха в знаковом, вызов чувственному. Особое внимание уделяется тому, как современное искусство использует свет, пустоту, молчание и фрагмент не как формальные приёмы, а как структуры сакрального опыта. Гностическая визуальность рассматривается как форма пневматического познания - не передающего смыслы, а вызывающего анамнесис. Исследование опирается на философию визуального как способ анализа медийной репрезентации сакрального, феноменологию образа - для выявления онтологического статуса визуального мотива, герменевтику символа - для интерпретации архетипических структур, и гностическую онтологию - как метафизическую рамку прочтения визуального опыта. Основными выводами проведённого исследования являются утверждение гностической визуальности как особого типа образности, проявляющейся в современных художественных, перформативных и кинематографических практиках, и выявление механизмов ремифологизации сакрального опыта через образы света, фрагмента, молчания и распада. Исследование показывает, что гностический образ действует не как иконографический знак, а как инициация - через перцептивное и телесное переживание. Научная новизна состоит в интерпретации гностических мотивов - Софии, демиурга, трёхчленной антропологии, плеромы - в контексте современной визуальной культуры, а также в введении в научный оборот понятия иконического неомифа как эстетической стратегии восстановления сакральной формы вне традиции, через свет, тишину и пустоту. Особым вкладом автора является разработка междисциплинарного подхода, соединяющего гностическую онтологию образа с феноменологией восприятия и философией визуального опыта.

Джордж Кадиш (1910-1997) - литовский еврей, фотограф, выживший узник Каунасского гетто. На протяжении нескольких лет он тайно фотодокументировал повседневность узников гетто. Объектом исследования в данной статье является серия фотографий Джорджа Кадиша, сделанных в Каунасском гетто в период с 1941 по 1944 гг., а предметом исследования - форма авторского высказывания о событии в документальной фотографии. В статье снимки Кадиша предлагается проанализировать с точки зрения двойственности документальной фотографии: как прямое и непрямое высказывание о событии. Особое внимание в статье уделяется второму типу документальности, которое отсылает не только к самой фотографии, но и к событию в целом, позволяя вывести анализ фотографии за ее же собственные рамки. В основе предложенного визуального анализа лежит подход Диди-Юбермана. В анализе снимков он уделяет особое внимание изображенному пространству и случайным деталям, а также самой практике фотографирования. Такой подход позволяет не просто описать фотографии, но расширить возможности их понимания. Новизна данного исследования заключается в применении методологии Диди-Юбермана к фотографиям Джорджа Кадиша. В рамках предложенного в статье анализа рассматривается несколько сюжетных групп фотографий. Особенно важным оказывается обратить внимание на те элементы в фотографии, которые на первый взгляд могут показаться незначительными и малоинформативными. В статье осуществляется попытка наделить эти фотографии особым свидетельским статусом. Они предстают не только как зафиксированные моменты той реальности, но как сосредоточение опыта узников - никогда невыразимого до конца. В статье изложена точка зрения о том, что эти фотографии предстают перед нами, с одной стороны, как фрагменты индивидуального опыта, а с другой - в качестве части коллективного опыта Холокоста.

Предметом исследования является выражение элементов локального культурного наследия в визуальной системе городского бренда и методы их визуального перевода. Объектом исследования являются элементы культурного наследия в визуальной системе городского бренда. В отличие от предыдущей публикации автора в журнале, в данной работе предлагается к обсуждению трехуровневый путь выражения: «культурное очищение - реконструкция формы - визуальная коммуникация». Подробно анализируются три метода трансляции: очищение и перекодирование символов, деконструкция паттерна и реорганизация ритма, а также реконструкция и символизация регионального цветового спектра. Данное исследование посвящено художественному выражению локального культурного наследия в дизайне визуальных элементов городского бренда и обосновывает, как культурные символы транслируются в образ города. Применяется метод, сочетающий теоретические исследования с анализом конкретных случаев: сбор и анализ успешных практик (Бишань, Людуань, Юньнань). Также семиотический анализ: интерпретация культурных символов через призму теории знаков (например: маски Нуо как знаки ритуального наследия). Визуальный анализ ритмики орнаментов Людуань. Полевое исследование на этапе «культурной очистки». Исследование показало, что традиционные культурные ресурсы не только укрепляют узнаваемость городской культуры посредством научной визуальной реконструкции, но и расширяют коммуникационный путь системы бренда. В данной статье представлены теоретическое обоснование и методические рекомендации по визуальному конструированию городских брендов, а также рассматривается проектный путь, позволяющий расширить возможности современного выражения культурного наследия. Научная новизна исследования заключается в преодолении традиционной линейной модели «извлечение элементов - простое применение» за счёт интеграции трёх взаимосвязанных процессов: декодирования культурного ядра, современной дизайн-реконструкции и оптимизации коммуникативной эффективности. Автор разрабатывает трёхэтапную визуальную модель («культурная очистка - формальная реконструкция - визуальная коммуникация»), систематизирующую логику трансляции наследия в городском брендинге, а также предлагает три конкретных метода - символьную очистку, реструктуризацию орнаментов и цветовую адаптацию, - для повышения эффективности и применимости теории. При этом формулируются четыре принципа визуальной стратегии: упрощение, семантическая согласованность, современная эстетика и системное единство. Даны рекомендации для интеграции культурного наследия в визуальные системы разнотипных городских брендов.

Предметом исследования является слияние традиционной китайской живописи тушью и цифровых иммерсивных технологий. Объектом исследования выступает опыт пяти чувств в дизайне иммерсивных сцен, основанных на живописи тушью. Автор подробно рассматривает такие аспекты темы, как философские коннотации и эстетический язык классических произведений живописи тушью, уникальные художественные особенности этого вида искусства, включая космологическую концепцию «единства человека и природы», акцент на передаче сущности, а не на реалистичности, а также текучесть времени и пространства в композиции свитков. В работе анализируется эффективность трансляции художественного языка живописи тушью с помощью таких технологий, как VR/AR, голографическая проекция и сенсорные датчики, на примере практических кейсов, в частности, выставочных пространств проекта «Путешествие к реке во сне» цифрового павильона «Цинмин, путешествие к реке 3.0». Особое внимание уделяется парадигме интеграции «синергии пяти чувств» для создания иммерсивных пространств. Методологическую основу исследования составляет междисциплинарный подход. Метод изучения конкретных случаев применяется для разбора практической реализации иммерсивных проектов, в частности, на примере мониторинга пространств проекта «Путешествие к реке во сне» выставочного павильона «Цинмин, путешествие к реке 3.0», что позволяет системно оценить эффективность перевода художественных особенностей живописи в иммерсивную среду. Основными выводами проведенного исследования являются обоснование подхода пятисенсорного иммерсивного восприятия для реконфигурации философско-эстетических принципов традиционной китайской живописи тушью. Особым вкладом автора в исследование темы является усовершенствование данного подхода позволяющего транслировать через цифровые технологии глубинные культурные и философские смыслы, заложенные в традиционной китайской живописи. Научная новизна исследования состоит в усовершенствовании парадигмы «синергии пяти чувств» к дизайну иммерсивных выставочных пространств. В отличие от существующих подходов, которые фокусируются преимущественно на визуальной составляющей, данное исследование предлагает в дальнейшем к применению объединённую модель, которая активирует все органы чувств для создания комплексного эстетического восприятия и опыта. Это открывает новые перспективы для актуализации традиционного искусства в цифровую эпоху, а также создает основу для дальнейших исследований.

Статья посвящается 165-летию со дня рождения М. И. Ожегова (1860-1934), русского поэта-песенника, самоучки, выходца из крестьян Вятской губернии, в песенно-музыкальном наследии которого заметное место занимает популярная песня «Меж крутых бережков». Объектом исследования являются фортепианные вариации на тему этой русской песни, написанные современным российским композитором В. В. Рябовым, а предметом - специфические связи звучащей музыки композитора и «закадровых» слов поэта-песенника. Отмечается, что обращение композитора В. В. Рябова к песенной мелодии М. И. Ожегова не было первым: в первой половине ХХ века выдающиеся русские композиторы И. Ф. Стравинский и Д. Д. Шостакович при создании музыки к театральным постановкам уже обращались к песенным мелодиям М. И. Ожегова («У церкви стояли кареты», «Чудный месяц»). С целью демонстрации взаимодействия мелодии песни М. И. Ожегова «Меж крутых бережков» с вариациями современного композитора В. В. Рябова на тему этой песни использован метод анализа содержательной основы произведения. В статье изложена точка зрения известных отечественных музыковедов на стиль сочинений В. В. Рябова - в частности, его фортепианных произведений. Новизной данного исследования является попытка проникновения в суть замысла созданного современным композитором В. В. Рябовым фортепианного цикла «Двадцать пять русских народных песен», сделанная на примере одного из произведений этого цикла - вариации на тему песни «Меж крутых бережков». В рамках выполнения анализа содержательной основы фортепианных вариаций грани формы и элементы фактуры соотнесены с текстом ожеговской песни и предложена своя «программа» произведения, благодаря чему статья убедительно доказывает, что композитору не только удалось создать виртуозные вариации на тему песни, но также точно передать в музыке сюжет поэтического текста М. И. Ожегова.

В настоящем исследовании анализируется процесс развития китайской академической оперы (далее - китайская опера) в XX-XXI вв., начиная с 1945 г. Фокус исследования направлен на изучение оперных произведений академического типа, созданных в Китае после 1945 г. в контексте её сюжетной и жанровой эволюции. Особое внимание уделяется построению классификационной модели, основанной на типологии сюжетов и жанровых форм, что позволяет преодолеть ограничения традиционных подходов, ориентированных исключительно на тематику или стиль. Автор подробно рассматривает оперные произведения различных этапов, а также художественно-исторические источники, прослеживая трансформацию парадигмы - от преобладания исторической тематики к формированию литературно ориентированного подхода, сосредоточенного на индивидуальном опыте, психологической выразительности и поэтике. Исследование раскрывает влияние социальных, политических и культурных факторов на художественные процессы и демонстрирует, как китайская опера обращается к новым формам драматургии. Работа направлена на формирование аналитического инструментария, полезного для зарубежных исследователей, стремящихся к глубокому пониманию специфики китайской оперной традиции в современной культурной среде. В исследовании используется метод сравнительно-типологического анализа, который включает идентификацию жанровых особенностей опер, анализ их сюжетной структуры и сопоставление с историческим контекстом. Основными выводами проведенного исследования является выявление закономерностей развития китайской оперы XX-XXI вв., в частности перехода от исторической тематики к литературно ориентированным сюжетам, что отражает изменения в социально-политическом и культурном контексте. Особым вкладом автора в исследование темы является разработка новой классификационной модели, основанной на жанровых типах и сюжетных структурах, позволяющей глубже понять внутренние механизмы эволюции произведений. Новизна исследования заключается в комплексном анализе взаимосвязей музыкальных, драматургических и социокультурных факторов, влияющих на трансформацию жанров и сюжетов, а также создании аналитического инструментария для зарубежных исследователей, способствующего системному и междисциплинарному изучению китайской оперы. Полученные результаты открывают новые перспективы для дальнейших исследований в области музыкальной и театральной культуры Китая.

В статье рассматривается инструментальная музыка как элемент материальной и духовной культуры Китая. Выявляются подходы к сохранению и развитию традиций этого искусства на примере государственных мер в области культурной политики страны и образовательных практик, инициированных как ответ на них. Автор на основе анализа нормативно-правовых актов, учебных материалов, исследований китайских теоретиков и практиков рассматривает актуальные специфические особенности роли музыкальных инструментов в образовательном пространстве страны. Целью статьи является обозначение векторов культурной политики Китая в отношении популяризации, сохранения и развития традиций национальной инструментальной музыки в контексте образовательной системы на разных уровнях и их соотнесение с реальным положением дел. Базовыми методами выступают теоретический анализ научно-исследовательских источников по проблеме музыкально-образовательной культуры современного Китая, обобщение информации о нормативно-правовой базе системы китайского музыкального образования и педагогики. Культурологический подход позволяет рассмотреть специфику развития роли инструментальной музыки в образовательной практике школ, колледжей и вузов страны как инструмента формирования национальной идентичности. Новизна исследования заключается в том, что анализируется современная ситуация в музыкально-образовательной системе Китая на всех ее уровнях от школы до вуза. Автор детально освещает достижения и проблемы на каждом уровне в деле приобщения подрастающего поколения к традициям национальной инструментальной музыки. Важным аспектом здесь является обращение к актуальным нормативно-правовым актам, стратегиям, программам и проектам, которые определяют направленности всего музыкального образования Китая, а также роль в этом процессе национальных музыкальных инструментов, их соотношение с более востребованными иностранными инструментами. Также отмечается, что формирование представлений о национальных инструментах является одним из главных путей в деле складывания национальной идентичности.

Исследование исторической судьбы разных жанров, в том числе и водевиля, позволяет анализировать движения театральной мысли. Даже общий взгляд на российскую театральную афишу последних десятилетий свидетельствует о том, что классический водевиль остался вполне востребованным в том числе и в крупных театрах страны. Главная проблема старинного водевиля на современной сцене - это проблема его актуальности, но не в смысле актуальности той или иной пьесы, а жанра в целом. Ставя водевиль, режиссер должен ответить себе на вопрос: а что такое водевиль сегодня. Таким образом, поиск современного в сценических законах водевильного жанра кажется сейчас актуальным в купе с вниманием к проблеме излишней и зачастую неоправданной модернизации классического репертуара. Использованы формальный, сравнительно-исторический методы. Анализ основан на сопоставительном жанровом подходе, включающем изучение сценических интерпретаций водевиля в их историческом контексте и современных режиссёрских трактовках. Статья предлагает оригинальный взгляд на водевиль как «метажанр» с универсальными характеристиками сценичности, способный к трансформации и интеграции в новые театральные формы. Автор исследует водевиль не только как пережиток прошлого, но как активный элемент современной театральной практики, востребованный и развиваемый режиссёрами разных школ и поколений. Новизна работы заключается в многоаспектном анализе водевиля (классических пьес Ленского, Кони, Соллогуба ) в актуальных сценических постановках XXI в. Делается вывод, что водевиль сохраняет актуальность благодаря своей пластичности, способности к самоиронии и глубокой связи с актерской природой театра. Исследование также поднимает проблему модернизации классического репертуара, критикуя формальный подход к осовремениванию и подчёркивая необходимость содержательной актуализации жанра. Водевиль рассматривается как важная составляющая отечественной театральной традиции, органично встроенная в культурную память и сценическую практику.

В статье рассматриваются преобразования, которые происходят с районами современного Харбина, выстроенными в стиле «китайского барокко». Их восстановление не только возвращает им прежний вид, но и позволяет расширять комплексы за счет нововведений в виде новых зданий и целых ансамблей, новой «начинки» старых построек и пр. Здесь во главу угла выходит выстраивание взаимосвязи между подходами и методами архитекторов, создававших «китайское барокко» в 1910-1920-х гг., и современными зодчими, которые интегрируют свои замыслы в исторически и композиционно, художественно сложившуюся среду. В этом свете объектом исследования является архитектура Харбина, созданная в духе «китайского барокко» в указанный период, предметом выступают особенности разработки архитектурных решений зданий. Теоретико-методологическую основу исследования составили труды, посвященные особенностям архитектурного анализа зданий и целых комплексов, их реставрации и реновации. Рассмотрено расположение зданий в пространстве города, их экстерьеры и интерьеры, внутреннее устройства, что позволяет дать характеристику специфике старинных и современных строений, построенных в контексте харбинского «китайского барокко». Целью статьи видится выявление механизма художественно-выразительной преемственности в ходе сохранения и защиты зданий, относящихся к «китайскому барокко», между реставрацией художественно-композиционных элементов фасадов таких зданий и вполне закономерными изменениями внутри них, а также с новыми постройками, дополняющими образ района. Новизна материала и проведенного исследования определена тем, что впервые исторический центр Харбина рассматривается как единая система, которая восстанавливается и обновляется поэтапно, накопившийся материал позволяет вырабатывать подходы к строительству новых зданий. В результате автор проводит связь между принципами проектирования зданий «китайского барокко» начала ХХ в. и творчеством современных архитекторов, включающих свои проекты в пространство исторического центра, выделяя положительные и отрицательные стороны процесса.

Сегодня дизайн в России находится на этапе активного развития и поиска своего современного образа. Многие обращаются к стилевым течениям прошлого, таким как авангард, но это не может полностью решить проблему региональной идентичности, а ее решение необходимо для встраивания российского дизайна в международный контекст. При этом к настоящему моменту накопилось уже немало исследований по разным аспектам советской и постсоветской культуры, обобщив которые, можно глубже понять специфику российского дизайна. Цель статьи - обозначить некоторые характерные черты современной российской проектной культуры с опорой не только на исследования позднесоветского (1960-1980-е гг.) и современного российского дизайна, но и на смежные виды деятельности, искусство и архитектуру, что позволит найти более глубокие культурно обусловленные черты. В ходе исследования авторы сопоставляют тенденции в позднесоветском дизайне и искусстве, фиксируя деление на «официальное» и «неофициальное» направления. В искусстве официальное - это то, что было пронизано идеологией, в дизайне - прежде всего, утилитарное, массовое. Неофициальным в искусстве было все то, что «шло своим путем», в дизайне - просто экспериментальное или же впитавшее в себя западный постмодернизм. В позднесоветском дизайне отчетливо проявилось две линии: «линия авангарда» (конструктивизма), связавшая технику и эстетику и ставшая основной, и «художественная линия», представленная художниками в дизайне. «Линию авангарда» развивали во ВНИИТЭ, «художественную» - в Сенежской студии, а также отдельные авторы - плакатисты, мультипликаторы и пр. Авторы исследования приходят к выводу о том, что идентичность позднесоветского дизайна была тесно связана с художественностью, для него была характерна глубина рефлексии, гуманистический пафос и лиризм. Современный российский дизайн в большей степени делает ставку на авангард, поскольку именно авангард заложил основы российского дизайна, однако, развитие традиций художественного направления в дизайне также представляет интерес с точки зрения региональной идентичности, поскольку именно в нем в свое время проявились важнейшие черты самобытной российской культуры.